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Prossime date

27-28 Giugno

Struttura della Masterclass

Per partecipare è necessario aver completato un laboratorio Noacting di Livello Base.

Il percorso intensivo di recitazione cinematografica prosegue dal livello Base al livello Avanzato, con l’obiettivo di raggiungere risultati pratici e tangibili in tempi brevi.
Il fine è quello di fornire agli allievi, al termine delle tre masterclass: base, avanzato e professionale, gli strumenti necessari per interpretare adeguatamente una scena cinematografica e il proprio ruolo in essa.
Questa Masterclass di livello avanzato è costruttiva e intensa; si focalizza sulla preparazione e sulla realizzazione di scene cinematografiche di maggiore complessità rispetto a quelle trattate nel livello base.
Particolare attenzione sarà dedicata all’esplorazione di elementi chiave per un’interpretazione efficace.
Il corso è strutturato in due giornate da 8 ore ciascuna, per un totale di 16 ore, più un incontro preliminare ONLINE di 60 minuti.

Durante questo incontro preliminare verranno assegnate le scene e i ruoli che gli allievi dovranno preparare per il laboratorio.

Questo consente di ricevere il materiale in anticipo e di memorizzare le battute.

La masterclass è limitata a un massimo di 8 partecipanti, garantendo così un’attenzione personalizzata e dettagliata da parte di Nunzio Caponio in ogni fase del corso.

Il percorso masterclass AVANZATO

GIORNO 1
Dalle 10.00 alle 19.00

IL CORPO DELL’ATTORE
Nel livello avanzato, il focus sarà sul potenziamento dell’espressione corporea, utilizzando scenari direttamente legati al mondo del cinema.
Gli allievi saranno guidati ad allenare il corpo a rispondere agli stimoli esterni immaginari che possono emergere in una sceneggiatura cinematografica.
Questo percorso si concentra su come rendere il corpo dell’attore uno strumento per un’espressione ricca e fluida, capace di vibrare in risposta alle sfide emotive della recitazione.
L’obiettivo è sviluppare una padronanza del linguaggio corporeo che permetta di esprimere emozioni profonde con autenticità e precisione.

RECITARE CON GLI ARCHETIPI
L’impiego degli archetipi come fondamento per lo studio e la creazione di personaggi rappresenta un approccio estremamente efficace e sorprendentemente sottovalutato nella recitazione.
Gli archetipi sono modelli comportamentali universali che offrono agli attori una struttura solida su cui costruire le loro interpretazioni, consentendo loro di dar vita a personaggi che sono al contempo immediatamente riconoscibili e distintamente unici.
Durante questo modulo, gli attori avranno l’opportunità di esplorare diversi archetipi e di adattarli ai loro personaggi, integrando elementi personali che rendono ogni interpretazione fresca e originale.
Il lavoro sugli archetipi serve anche a definire chiaramente le motivazioni, le storie personali e le trasformazioni dei personaggi, offrendo agli attori una comprensione più profonda del loro ruolo.

TECNICHE DI RECITAZIONE AVANZATE
Tecnica di Meisner
Sviluppata da Sanford Meisner, questa tecnica si concentra sull’importanza dell'”altro”, piuttosto che su se stessi. Attraverso esercizi di ripetizione, gli attori imparano a rispondere in modo istintivo e spontaneo, mettendo da parte pensieri e sentimenti personali per concentrarsi pienamente sugli attori circostanti. L’obiettivo è un’interpretazione che nasce dall’interazione reale e attuale, spostando l’attenzione dalle parole all’emozione sottostante.

Metodo di Michael Cechov
Il metodo di Michael Cechov introduce un approccio psicofisico alla recitazione, dove la trasformazione personale avviene attraverso l’impulso, l’immaginazione, e sia i gesti interni che esterni.
Questa tecnica permette agli attori di attingere a parti del proprio inconscio, esplorando immagini archetipiche e universali. Gli attori utilizzano strumenti pratici per lavorare con l’immaginazione e le emozioni, elevando così le loro performance oltre i confini della quotidianità verso una rappresentazione più profonda e complessa.

GIORNO 2
10.00 – 19.00

ANALISI DEL TESTO
L’analisi del testo consiste nello scomporre una scena cinematografica in parti sempre più piccole, che rappresentano il percorso del personaggio attraverso una serie di obiettivi, dal più piccolo bit fino al bit finale del testo (super obiettivo). Durante questo processo, si lavora sul testo in generale e sui personaggi all’interno di esso, esplorando la tipologia di trama, la tematica, la curva di tensione, gli obiettivi, le abitudini emotive, i propositi drammatici, il monologo interiore e il sottotesto.
L’analisi del testo consente agli attori di comprendere meglio il personaggio e la scena che stanno interpretando, permettendo loro di recitare in modo più autentico e presente.

PRATICA SUL SET
In questa fase finale, l’enfasi è posta sulla pratica con la camera. Le scene assegnate agli allievi in precedenza, dopo essere state analizzate nella fase di ANALISI DEL TESTO, saranno filmate. Verranno esplorati tutti i campi di ripresa, dal primo piano al piano generale di una scena, per abituare i partecipanti a mantenere la concentrazione e la creatività in qualsiasi circostanza.
L’obiettivo di questa fase è quello di aiutare gli attori a sentirsi a proprio agio di fronte alla telecamera e di essere in grado di costruire la loro performance per adattarsi alle esigenze della ripresa.
Sebbene lo scopo sia puramente didattico, verranno create circostanze tipiche di un set cinematografico, complete di blocchi di scena e direzioni di regia.

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